Médicis
Partie 1
Comment réussir à la cour à l'époque de la Renaissance
Vous avez peut-être entendu parler de Laurent le Magnifique, ainsi que des papes de la famille Médicis de Rome. Il y en avait quatre. Mais cet homme en particulier a joué un grand rôle.
Cosimo 1. Le Grand-Duc de Toscane. Il a passé le même temps que le bien plus célèbre roi d'Angleterre, Henri 5. Mais c'est Cosme qui a écrit le traité sur la façon de devenir un magnat de la Renaissance. C'était un dirigeant impitoyable, mais aussi un homme de culture. On pourrait affirmer que Cosimo était le plus grand dirigeant dont vous n’avez jamais entendu parler. Cosme devint duc de Florence de manière inattendue en 1537.
Il était un membre doué de la branche aînée de la famille. Ses ancêtres fréquentaient les arts depuis le début du XVe siècle, favorisant l’épanouissement de l’art occidental depuis l’Antiquité classique. Mais l’histoire a également connu une période de destruction effroyable de l’art, sous l’influence du sentiment religieux.
Pour réaliser quoi que ce soit, Cosimo devait restaurer les idéaux originaux de la Renaissance. Des idées de beauté, d'humanité et d'apprentissage. Puis, sous Cosme, une nouvelle ère de portraits et de nus émergera, les Florentins apprendront à s'amuser, même en perfectionnant leurs talents d'escrimeur. Cosme avait l'intention de faire de Florence la ville la plus sophistiquée d'Europe. Mais il s’est également plongé dans une nouvelle ère d’ambition et d’intrigues.
Règle 1.
Formez un parti favorable.
Nous étions en 1539. Le jeune Cosme, duc intronisé de Florence, avait besoin de faire un grand geste. Et quelle meilleure façon de s'annoncer et de faire connaître ses projets qu'avec une somptueuse célébration ?
Tout le monde aime les mariages, n'est-ce pas ? - Surtout les royaux. Le marié, Cosimo, était un homme d'une vingtaine d'années à l'allure pimpante. Son épouse embarrassée était Aliénor de Tolède, une princesse espagnole de 17 ans. Le mariage rapporta à Cosimo beaucoup d’argent et d’honneur. Et c’était le cas rare d’un mariage d’amour.
Ce fut un brillant début de règne pour Cosme.
À Florence, Eleanor était vue sous un jour favorable. Des foules de milliers de personnes voulaient admirer le statut d'épouse d'origine. Partout où elle apparaissait, elle était accompagnée de chants, de musique et de volées de feux d’artifice. Les festivités somptueuses comprenaient des trompettistes, des danseurs à moitié nus et des joutes. Les chevaux portaient un harnais de fête, même les footballeurs professionnels, les majors de l'époque, ne manquaient pas un tel événement. Les festivités duraient plusieurs jours, avec faste, apparat, fêtes et festivités somptueuses.
Tout cela suggérait que la nouvelle cour serait caractérisée par le luxe, et qu'elle le serait donc pour tout le monde. Florence n'avait rien vu de pareil depuis des années. Il y avait une part de gâteau pour tout le monde, du vin coulant de la fontaine.
Règle 2.
Impliquez les décorateurs.
Que faire si vous devenez monarque à la Renaissance ?
Vous avez un trône, même ducal, mais vous réalisez que vous n'avez pas de palais pour vivre ? C'est très simple, vous occupez la mairie.
Artistes et décorateurs de toute la ville ont été sollicités pour contribuer à transformer le bâtiment municipal, plutôt terne, en résidence ducale et annoncer l'aube d'une nouvelle ère. Autrefois lieu populaire au centre de la ville, c'était aujourd'hui le point central de la cour de Cosimo.
Théoriquement, à cette époque, tout le monde était égal sous ce toit. C'était du moins l'idée. Et maintenant, le décor était tel qu'une seule personne comptait, à savoir le duc.
Il s'agit d'une série de peintures prétentieuses, vantant essentiellement Cosimo et ses vertus. Cela porte en lui un certain blasphème. Dont l'apothéose est la figure du duc montant au ciel. Et couronné par une figure féminine représentant l'image de Florence. Dans n'importe quel autre endroit d'Italie, n'importe quel artiste italien aurait pu se faire un nom en peignant les saints et les pères de famille au plafond.
Et ici, au plafond, il n'y a qu'un homme. Tous les murs et plafonds glorifiaient la perfection du nouveau monarque. Cosimo le Brave, Cosimo le Sage, Cosimo le Rêveur. Même Cosimo, le héros classique. Et partout, ses armoiries distinctives ne passent pas inaperçues.
Cela coûte beaucoup d'argent. Un plan pour transformer un homme ordinaire en monarque. Peut-être pour la première fois, mais certainement pas la dernière, le banquier a beaucoup de préoccupations.
Règle 3.
Faites appel aux orfèvres.
Cosimo est devenu monarque. Il avait besoin d'insignes. De nos jours, l'un des objets obsolètes du trésor ducal rappelle la splendeur de ses insignes. Il s'agit d'un retable créé à la mémoire de ses descendants. Voici Cosimo 2, l'arrière-petit-fils du duc. Qu’est-ce qui le fascine autant ?
Un lien vers un microblog sur l'histoire de la couronne.
Il s’avère que ce sont les instruments de pouvoir de son grand-père : sa couronne et son sceptre. Il ressemble à un ténor chanteur à la Scala, chantant et exaltant ces bibelots. Ils reposent sur le magnifique tissu damassé rouge recouvrant l'autel, ici rendu en soie de jaspe et bordé d'un cadre doré.
Cosimo 2 portait la tenue formelle de son grand-père. Leur splendeur éblouissante est véhiculée par l'émail, l'or ciselé et les diamants. C'est ainsi que Cosme admirait ses insignes. Sa couronne ducale était un chef-d'œuvre de la Renaissance.
Aujourd'hui, le joaillier florentin admire toujours le savoir-faire de ses prédécesseurs. La couronne du duc n'a pas survécu jusqu'à ce jour, elle a été perdue. Mais comment c'était ? La couronne était un symbole important pour Cosimo, elle symbolisait l'autorité divine et provenait du grand César, qui était utilisée pour orner sa tête dans les premiers siècles.
La couronne a été réalisée par quelqu'un qui aimait l'Antiquité romaine. Il pèse environ 15 kg. Il était incrusté d'une centaine de joyaux de 17 à 20 fois. Il y avait deux rangs de perles. Les perles étaient un symbole de pureté et de prospérité, de proximité avec Dieu. Au centre se trouvait un lys florentin, symbole de notre ville, incrusté de rubis. Chaque seconde des dix-neuf dents était également couronnée d'un lys. C'était unique.
Si vous aviez réussi à réaliser une couronne, avez-vous essayé de calculer ?
Seulement la somme des pierres selon nos normes, il s'est avéré qu'elle était de 1,5 à 2 millions d'euros et là je finis par impossible à calculer.
Partie 2
Règle 4.
Choisissez les meilleurs artistes de la Renaissance
N'importe quelle ville de la Renaissance était formidable. Si nous nous vantons de l'art et de l'architecture, Cosimo avait un problème. Michel-Ange, l'artiste le plus célèbre, se rend à Rome où il réalise ses créations comme le plafond de la Chapelle Sixtine. Cosimo avait besoin de ramener l'artiste à Florence.
Lien vers un article sur Michel-Ange.
Mais cela n'a pas été facile. Cosimo a écrit à Michel-Ange des lettres sincères et serviles. Essentiellement des lettres de fans dans lesquelles il exhortait l'artiste à retourner à Florence. Dans l'un d'eux, il écrit : nous vous exhortons et vous implorons du fond du cœur. Par nous, il voulait dire lui-même. Nous vous déclarons que cela nous fait une grande joie de vous voir. Vous pouvez aller et venir comme vous le souhaitez et vivre quand vous le souhaitez. Votre présence nous suffira.
Cosimo supplie Michel-Ange de retourner à sa cour. Oui, cela ferait beaucoup de mousse sur son cappuccino. C'est ici que Michel-Ange se rendit à Rome avant de quitter Florence. Il a créé un grand symbole de la ville - une sculpture du David puissant et beau, fort et sensible, qui a tué le géant Goliath, proclamant ainsi le triomphe de la faiblesse sur la force. Aujourd'hui, la sculpture de David se trouve devant le palais de Cosimo. Un rappel silencieux mais toujours douloureux de l'artiste qui a refusé de revenir. Cosimo a dû trouver un autre sculpteur pour créer un symbole de la nouvelle ère. Il a choisi Benvenuto Cellini, qui s'est inspiré de la mythologie grecque.
Le monumental Persée à tête de Méduse de Cellini est une merveilleuse combinaison d'élégance, de sophistication et de violence monstrueusement flagrante.
Lien vers un article sur la saison du velours en Toscane
Selon le mythe, Persée a ramené la paix à Athènes en traitant avec Méduse Gorgone. Et cela a été vu par Cosme, du moins par sa cour, comme un témoignage et un hommage à ce qu'il avait fait pour se débarrasser de la République et la remplacer par le Duché, la Monarchie.
Cellini s'est bien amusé ici, décrivant Persée comme un tueur sans âme et impitoyable, tel un mafieux. Ce qui en soi est un indice de la sobriété de Cosimo. Entrailles pendantes. Cellini s'est vraiment déchaîné ici, créant une sculpture dans l'esprit des films d'horreur, le sang jaillissant non seulement de la tête de la méduse, mais aussi des entrailles impitoyablement hachées. C'est une fontaine, une sorte de parodie, un témoignage en hommage à la Chapelle Sixtine. La dernière étincelle de vie dans le doigt retiré s'éteint.
Cosimo était satisfait de Persée. Ce personnage définit le nouveau visage de la ville, mais lorsque les artistes de la cour s'attaquent à Cosimo lui-même, les choses empirent.
Règle 5.
Pour parfaire le portrait.
Au loin, le bâtiment du Bargello cache dans un coin discret un riche buste de Cosme, œuvre des mains de Celleni. Même aujourd'hui, on ne l'aime pas beaucoup. C'est ce qu'a fait Cellini. Une énorme pièce de bronze, dans de nombreux sens du terme. J'aimerais le frapper avec mes jointures pour l'entendre sonner. Mais je doute que le gardien le permette. C'est Cosme en duc de Florence, mais aussi en César. Cosimo est un héros de bande dessinée. Regardez la taille des pectoraux de l'homme. Il a clairement passé beaucoup de temps au gymnase.
Les aigles lui pincent les tétons. Ils ne se contentent pas de les pincer, ils les mordent. Mais Cosimo se tord-il de douleur ? Définitivement pas. Quelle est la réussite de cette œuvre d’art ? Un des courtisans de Cosme le décrit ainsi : ses yeux étaient immenses, son front large, sa barbe forte et son regard terrifiant. Ce trait de caractère de Cosme était sans aucun doute reconnu par Cellini.
On ne voudrait pas être pris dans les bras du duc alors qu'il était d'une telle humeur. Le seul problème était que Cosimo détestait cette création. Peut-être que son image était trop vraie. Une telle vision aurait pu être appropriée au Moyen Âge, lorsque les nobles étaient autorisés à être barbares et que chacun de leurs souhaits était honoré, mais cela n'a mené nulle part avec la Renaissance. Certes, le dirigeant a quand même réussi à obtenir ce qu’il voulait, mais pas avec autant d’efforts. Cela n'a pas demandé autant d'efforts. Que dire des yeux exorbités ?
Cosimo avait donc besoin d'un autre portrait correspondant à son époque. Quelque chose qui le dépeindrait comme un grand monarque de la Renaissance – fort mais modéré, volontaire mais civilisé, un guerrier mais avec un grand cœur. Pour les artistes, c'était un véritable cauchemar. Qui a pu réaliser une création aussi compromise ?
La réponse résidait dans le talent relativement peu éprouvé d’Agnolo Bronzino. Maintenant, c'est une autre affaire. Voici un portrait pictural que Cosme aurait pu accrocher au mur. Je pense que vous pouvez voir pourquoi. Il y a un sentiment de pouvoir en lui, c'est un dirigeant. Et c'est un dirigeant militaire. On ne peut s'empêcher de remarquer la splendeur de l'armure dans le travail au pinceau de Bronisino. L'artiste l'a représenté un peu plus élancé que Cellini, ce qui explique en partie pourquoi le duc était content. Essentiellement, c'est un homme réfléchi, recueilli et imposant. S’il veut se venger de quelqu’un, il le fera à son rythme. En Italie, la vengeance est un plat.
Lequel est servi froid, par rapport à l'image proposée par Cellini. Ici, il n'est pas un névrosé, mais une personne de statut ; c'est un noble, plein de mystère émergeant des ténèbres. En tout cas, Cosimo était satisfait du portrait, ordonnant même qu'on en fasse des copies, il reconnut officiellement la similitude et le portrait pouvait être exposé partout, selon ses instructions. Bronzino devient peintre de cour. Et le duc refusa de poser même pour le Grand Titien. Ce portrait est devenu un modèle.
La pose et le regard ont été copiés à plusieurs reprises. Amélioré au fil des années, mais c'était sans aucun doute l'invention de Bronzino. L'artiste a créé sa propre marque de Cosimo.
Règle n°6
Adoptez la nudité
La Florence moderne accueille toujours l'amour de la chair nue de la Renaissance et, en tant qu'artiste de cette époque, Bronzino n'a pas pu résister à la tentation de créer ses créations nues. Dans la Grèce antique et à Rome, les figures nues étaient les bienvenues. Les dieux-héros couvraient rarement leur chair de robes, mais depuis des milliers d'années, depuis l'avènement du christianisme, le corps nu parle de luxure et de péché. Bronzino a créé une image de la monarchie qui est aujourd’hui assez impénétrable. Bronzino a dépeint le duc d'une manière impossible à imaginer dans un portrait. Je pense que c’est l’image la plus extraordinaire et la plus intime d’un dirigeant que j’ai jamais vue.
Bronzino incarne Cosimo dans le rôle d'Orphée, un personnage si passionné et mourant d'amour. Cette image s’est révélée prophétique. On savait que le duc et sa femme se séparaient rarement. Et il y avait une relation forte et profonde entre eux.
D'une part, c'est un charmant symbole d'amour, montrant la proximité entre Cosimo et sa femme, l'impression qu'il lui a envoyé des selfies, mais pas avec un iPhone, mais avec le pinceau du vieux maître Bronisino. Cosimo est ici un beau jeune homme qui attend avec impatience sa nouvelle épouse, mais en même temps il est un exemple de nouveauté, de modernité, de nouvelle vague artistique.
Partie 3
Philosophie du palais de la Renaissance
Règle n°7
Soyez trompeur
La vie à la Renaissance n’était pas seulement une série de célébrations et de créations des maîtres anciens. Il s’agissait également des côtés les plus sombres de l’art. Et mieux que quiconque, Niccolo Machiavel a compris ce côté sombre de l’art. Dans un monde encore dominé par la religion, la grande œuvre de Machiavalei, Le Souverain, scrute la nature humaine. Il conclut. Qu’un dirigeant ambitieux obtiendra plus de succès s’il se montre plus cynique à l’égard du monde qui l’entoure.
L'œuvre de Machiavali, Le Souverain, est un guide vivant et non sentimental pour progresser par la ruse et la tromperie. Les principes destinés aux perdants, dit-il, doivent être abandonnés sur le chemin de la gloire… le succès et la richesse. Bien que ses défenseurs aient soutenu qu'il décrivait simplement le monde tel qu'il était.
Voici ce que Machivelli a écrit sur les attitudes des gens – sur les gens en général, on pourrait dire qu’ils sont ingrats et inconstants. Enclin à l'hypocrisie et à la tromperie, enclin au danger et au profit. Tant que vous leur faites du bien, ils sont à vous de toute votre âme. La philosophie de Makivavli a fait passer \kozimo du monde de la piété médiévale au monde de la politique sagace moderne.
L'influence de la philosophie de Machiavel se fait encore sentir aujourd'hui. Il est impossible de croire que de nombreux hommes politiques et leurs collaborateurs, et pas seulement ici, auraient fait faillite sans cet homme de l’histoire. Le premier patron de l'homme politique.
Règle n°8
Ne fais confiance a personne
Florence au XVIIe siècle était une ville dangereuse. La famille Médicis avait de nombreux ennemis. Souvent ciblé par des assassins jaloux, le nouveau et jeune dirigeant avait du mal à rester en vie. Cosme n'était pas un homme avec qui il fallait prendre à la légère, la cruauté était devenue son métier. Par exemple, que devait-il faire de la suma des commandants italiens ? Pouvait-il leur faire confiance ? N'avaient-ils eux-mêmes aucune idée de domination. Il les a simplement tous dispersés et les a remplacés par une armée de mercenaires. Il emmena 300 hommes d'Allemagne et des pays voisins. Ils prêtèrent allégeance à Cosimo et à lui seul.
Les gardes allemands de Cosimo ont dû contrecarrer de nombreuses tentatives d'assassinat. Ce n'était pas facile de garder le duc car il voyageait dans toute la ville pour ses affaires. Ses assassins potentiels étaient aussi lâches que persistants. Il y avait des tireurs d'élite partout, ses serviettes étaient imbibées de poison et ses ennemis plaçaient même des appareils intelligents avec des pelles et des épées tranchantes au fond de l'Arno, où il aimait nager.
L'un des courtisans eut l'idée d'un endroit secret au sommet du couloir par lequel Cosme pourrait se déplacer dans la ville sans se faire remarquer. Il pouvait même mépriser ses sujets. Il a été construit par l'architecte Giorgio Vasari. Cette merveilleuse structure traverse encore aujourd’hui le fleuve Arno. comme un étage supplémentaire au sommet du pont Ponto Vecchio et s'étend à travers la ville. C'est tellement excitant.
Le couloir Vasari, comme on l'appelle, n'est pas accessible aux visiteurs, notamment la partie au-dessus de la rivière. Aujourd'hui, il est utilisé comme extension de la galerie d'art des Ufizzi. Mais cela reste un lieu privé et exclusif de la ville. De l'autre côté du fleuve, Cosimo pouvait même organiser des cérémonies religieuses sans quitter sa cachette secrète. Vasari a construit ce couloir de manière à ce qu'il traverse l'arrière de l'église de Scnta Felicita.
Cosimo et sa famille pouvaient donc venir ici et observer de côté, évitant ainsi le risque que ses ennemis empoisonnent le vin en question.
Avec l'aide de Vasari, Cosimo orchestre une épreuve pour déjouer ses ennemis.
Règle n°9
Qui appartiennent
À la cour de Cosme, les proportions classiques et la symétrie étaient cyniques, considérées notamment comme une règle pour les bâtiments et les jardins appliquée en relation avec le corps humain. La théorie de la Renaissance a été appliquée lorsque la perfection physique se faisait écho, que l'humanité sous sa forme idéale était affichée, mais lorsqu'il s'agissait de vrais courtisans, les favoris de Cosimo ne correspondaient pas à ces idéaux.
Le voici, le nain Morgante. Nu, assis seul sur un kilomètre, c'est ce qu'il dit, il n'est pas là pour regarder, l'homme a décidé de faire un tour sur son amphibien, de s'en remettre. Fondamentalement, son travail consistait à divertir Cosimo et à lui donner une belle apparence contre Cosimo. Ln bl bl était de petite taille, il était en surpoids, donc à côté de lui Cosimo paraissait plus grand et plus mince. Si le duc partait à la chasse sur un bel étalon, Morgante fermait le cortège sur sa tortue.
À l'époque de Cosimo, et disons jusqu'à récemment, on croyait que les déficiences physiques étaient le reflet de déficiences mentales. Par conséquent, Morgante gagnait de l'argent en jouant le rôle d'un bouffon, il perdait délibérément aux cartes et son comportement extrêmement bruyant et flagrant amusait les gens à la cour, mais comme le bouffon d'une pièce shakespearienne, Morgante était l'une des rares personnes à oser dites la vérité à Cosimo. La vie de Morgante à la cour fut à la fois amère et douce.
D'une part, il fut contraint de participer à des divertissements humiliants pour les invités, d'autre part, le duc lui prodigua des cadeaux, notamment des terres et des domaines, et il fut également honoré d'un portrait peint par le peintre de la cour de Cosme. Bronzino incarne Margante avec dignité. Au moins en comparaison avec cette sculpture, il est représenté sous une forme classique. Il est à la chasse. C'est un homme de force et d'action masculine. Également création brillamment exécutée, Bronzino a été impliqué dans un débat houleux avec Guarchi pour savoir si la sculpture ou la peinture était meilleure.
Varchi a insisté sur le fait qu'il devrait s'agir d'une sculpture parce que la figure pouvait être vue sous différents angles, Bronzino n'était pas d'accord, il a dit de suivre le regard de Morgante, nous pouvons nous promener et voir Morgante nous regarder par-dessus son épaule, donc la peinture est l'équivalent du marbre. Morgante était un favori à la cour de Cosimo et un personnage très précieux, à sa mort, Cosimo engagea un nouveau nain et lui donna le nom de Morgante.
Règle n°10
Aiguisez le punch
À la Renaissance, le combat au corps à corps s'élève au rang d'élégante chorégraphie. Fini l'agressivité des combats médiévaux, les combats, bien que mortels, étaient désormais des danses raffinées. Le chorégraphe principal était Cannilo Agripa, auteur d'un traité sur la science des armes avec dialogue philosophique, publié en 1553 et dédié à Cosme.
La clôture proposée par Cosimo était une nouveauté à cette époque. JE VAIS VOUS MONTRER EXACTEMENT LA MÊME CHOSE qui a glorifié le style d'escrime Médicis en Italie, à l'époque de sa création et dans le monde entier, alors faites attention. Le traité d'Agrippa sur la science des armes décrit les principales combinaisons de fentes. Il existe 4 positions principales, toutes les fentes doivent être effectuées rapidement, dans un mouvement qui décrit un arc de cercle. Travaillez avec vos pieds, en tenant la rapière pour ne pas vous blesser. Pour anticiper une fente potentiellement dangereuse, gardez la main gauche de votre adversaire avec la rapière en vue.
Partie 3.
Les modes à la cour à la Renaissance
Règle n°11
Être habillé correctement.
À 150 kilomètres à l'est de Florence se trouve la ville d'Urbino, et c'est ici qu'un ensemble de règles de l'étiquette de la cour italienne a été rédigée. Le Livre du Courtisan. Il contenait des conseils utiles sur la manière d'éviter les pièges de la vie de cour, de choisir les femmes, de plaisanter et, bien sûr, dans le plus pur style italien, de s'habiller. Quant à la façon élégante de s'habiller à la Renaissance, il existait une règle simple et éprouvée : ne jamais oublier les trois H : nueva, neta, nera.
C'est-à-dire à la mode, soigné, mais surtout, en noir. En italien - en noir, signifiait - modéré, sobre et de bon goût, sauf peut-être sur un point. Cela s'appelle une brigetta, ou en italien, une braguette.
Un costume, le pradox de la mode de la Renaissance, quand le noir chic s'accompagnait d'une braguette accrocheuse. Il n'y a aucun doute sur la forme. C'était pour quoi ? Ce détail était un rappel de la masculinité, du pouvoir masculin. À l’époque du Vaudeville, la braguette était-elle anatomiquement appropriée ? Bien sûr que non, ils étaient faux. Tout le monde voulait montrer que sa dignité était plus que valable.
Ce détail avait-il un but pratique ou était-ce simplement pour le spectacle ? C'était pour le spectacle, mais la braguette pouvait être utilisée comme une poche, pour y mettre ses clés, sa monnaie, son mouchoir ou autre chose. Personne à cette époque ne trouvait étrange ou drôle de faire de la publicité ou de dénoncer de cette manière la virilité. C'était normal à cette époque, ils ne le voyaient pas comme nous. Cela nous semble obscène maintenant, mais ne trouvez-vous pas cela comique ? C'est un peu pompeux.
Règle n°12
Soyez bien soigné.
Croyez-le ou non, les hommes de la cour de Cosme étaient pratiquement métrosexuels et accordaient une grande attention à leur apparence et à leur apparence. Bien que nous n’ayons pas encore trouvé de preuves concrètes de l’existence d’une crème hydratante. Le rasage n'était-il pas inutile pour eux ?
L'essence d'un homme était sa barbe. En Angleterre, Henri 8 portait une barbe avec un séduisant aperçu de menton, François 1er un lambrequin en forme de barbe. Et dans la barbe de la carte 5, l’empereur du Saint-Empire, il y avait quelque chose de la nuit.
Le métier de barbier était l'une des principales occupations de la cour florentine. Ces familles portent la barbe et les perruques depuis plus de 300 ans.
Cela ressemble à une passoire minestrone, quel était le style ? C'était une barbe portée par des hommes qui voulaient se donner de l'importance. Ils étaient à la fois respectés et craints par les autres. Ils étaient assez brutaux. Beaucoup de courtisans portaient des barbes comme celles de Cosimo - des barbes longues et bien entretenues - parce qu'ils voulaient imiter le roi, le grand duc.
Les rois ont donné le ton : tout le monde voulait les imiter. Mais des artistes comme Michel-Ange, Vasari, Gianbologna portaient de longues barbes mal entretenues pour se démarquer.
Quelle était la forme des barbes ?
Règle n°13
Devenez un homme de la Renaissance.
Le terme homme de la Renaissance fait référence aux génies uniques qui ont atteint de grands sommets dans différentes disciplines. Cette époque était caractérisée par la polyvalence des talents, la science allait de pair avec l'art, les inventeurs bénéficiaient d'une attention particulière et une personne particulièrement douée semblait avoir plus à offrir que quiconque. Bernardo Buantalenti était un courtisan dont les talents ne connaissaient pas de limites.
C’était un homme de la Renaissance. Il était architecte, décorateur de théâtre, inventeur de machines folles. Il a également inventé une friandise comestible que le duc adorait. Glace! À une époque sans réfrigération, c'était un miracle, selon cette vieille recette. La glace Buantalenti est composée de lait, d'œufs, de crème et de sucre, sans aucun autre ingrédient. L'appareil est nécessaire au processus de pasteurisation. Cela signifie que nous chauffons la masse à une température élevée, puis la faisons frire rapidement, un processus de réchauffement. Lorsque la masse est prête, on passe à l'appareil. Ici on la fouette, on ajoute un peu d'air - et on obtient de l'air, 3 - une partie de la glace est de l'air et on allume la machine. Il existe de nombreux gadgets pour faire des glaces.
Comment Buantalenti y est-il parvenu. Le processus était-il primitif à l’époque ? Bien sûr, il n’y avait pas de machines, nous utilisions ce que nous avions sous la main. On raconte que la neige était apportée des montagnes et stockée dans des caves froides. Il est décrit qu'ils ont ajouté du sucre à la crème, ajouté de la neige, l'ont éventuellement salée, puis l'ont soigneusement mélangée et fouettée. C’est ainsi qu’on fabriquait la glace, et on peut encore la fabriquer aujourd’hui, mais personne ne le fait parce que c’est un processus très long et exigeant en main-d’œuvre. C'est la douce vie.
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Règle n°14
Immortaliser l'artiste
Chaque ville italienne avait besoin d’une relique – les reliques d’un saint vénéré. Afin d'attirer les pèlerins et de collecter de l'argent auprès d'eux. Mais à la Renaissance, on honorait autant les génies artistiques que les vertus religieuses.
Le 18 février 1564, Michel-Ange, un artiste qui n'est jamais revenu à Florence, meurt à Rome. Les tentatives de Cosimo pour le ramener chez lui ont échoué. Mais il n'a jamais abandonné.
Voici un lien vers un article sur Michel-Ange
Dans le monastère de l'église Apsostolos à Rome, les moines se préparaient pour les funérailles du plus grand artiste italien.
Il s'agit d'un mémorial en l'honneur de Mick Buannaroti - sculpteur, peintre, architecte. Il fut enterré dans l'église des Saints-Apôtres, mais ses restes furent secrètement volés par les Florentins.
Deux des hommes de main de Cosimo, agissant sur ses ordres, sont entrés par effraction pour voler le corps de Michel-Ange avant même qu'il ne soit dans la tombe. Un événement unique.
C'était donc un pillage de tombe. C'était un événement. Cela se faisait en secret, la nuit. Quand il y avait du brouillard, les Florentins se sont faufilés ici et ont volé le corps, et le matin, quand les frères sont arrivés, le corps de Michel-Ange avait disparu.
Ils ont mis le corps de Michel-Ange dans une charrette, ont mis beaucoup de chiffons dessus et se sont précipités vers la porte, espérant que les gardes les laisseraient passer. Sans s'en douter, ils reviendraient à Florence avec le corps du fils le plus célèbre de la ville. Ils ont eu de la chance, ils sont rentrés chez eux et à Florence les hommes de Cosimo attendaient de recevoir leur corps, maintenant les préparatifs pouvaient commencer. Un spectacle aussi extraordinaire que la Vieille Ville n’avait jamais vu. Michel-Ange est un génie, mais un génie de chair et de sang, c'est-à-dire un mortel que les gens considèrent comme un saint.
Il est devenu pour les Florentins ce que saint Marc ou saint Pierre - les apôtres du Christ,... du monde. C'était comme si l'artiste avait été assimilé aux disciples du Christ. Il s'est engagé sur terre à Florence, le sol étant réservé au plus grand des héros, la basilique Santa Croce, et le tombeau lui-même, triomphe de l'art florentin. Michel-Ange a désobéi au duc de son vivant, mais Cosme a eu le dernier mot. L'artiste a été enterré ici et les funérailles étaient d'une importance nationale. Les étudiants les plus talentueux de l'Académie florentine furent chargés de créer une tombe digne de l'homme et adaptée à l'occasion. Parmi eux se trouvaient Bronzino, Benvenuto Cellini et Vasari qui ont créé le projet de ce magnifique tombeau. Il a écrit qu'un adieu tel que celui du fils prodigue de Michel-Ange n'a été vu ni par les papes ni par les empereurs. Les trois figures de deuil ci-dessous représentent les trois disciplines dans lesquelles Michel-Ange excellait.
La figure de gauche représente la peinture, elle tient une sculpture et de l'autre main un pinceau, elle veut peindre sur toile, au centre se trouve une figure représentant la sculpture, dans ses mains elle tient un marbre, et la figure du dessus le côté droit représente l'architecture, dans ses mains elle tient probablement des plans de construction et un cercle, et en haut se trouve un lourd buste de Michel-Ange lui-même. Vasari était inconsolable en apprenant la mort de son idole, il affirmait avoir été témoin d'un miracle lorsque le corps de Michel-Ange fut finalement rendu à la Gorda 25 ans après sa mort, il affirma également qu'il était en parfait état, qu'il n'y avait aucune odeur. Et que l’artiste semblait tombé dans un profond sommeil. La déification de l'artiste a réussi.
A placer dans la section après Machiavel.
Règle n°15
Atteindre les étoiles
Vers la fin de sa vie, le Grand-Duc perdit de son importance. Il était impitoyable mais il a été adouci par l'amour de sa famille, mais une année terrible, une épidémie de paludisme a emporté sa femme, ses 2 fils et 2 filles, dont sa préférée Maria. Cosme a perdu la joie de vivre et a cédé presque tout son pouvoir à l'un de ses fils. Il se retira des affaires et devint un homme à femmes, passant également beaucoup de temps en retrait à huis clos, et après une série de crises cardiaques, il mourut en 1574. Mais le nom des Médicis survécut, immortalisé à jamais dans le monde de l'astronomie et des mathématiques. Cosimo aimait avoir à sa cour des mathématiciens avec lesquels il pouvait discuter de sujets tels que la géométrie grecque ou le mouvement des corps célestes. Cela n’avait rien à voir avec la superstition du Moyen Âge. L'attention portée par le duc aux scientifiques qui s'occupaient des chiffres a donné naissance à certains des plus grands penseurs de l'histoire du monde.
Galileo Galilei n'était qu'un enfant à la mort de Coimo, mais il fut inspiré par la vie intellectuelle et artistique de la cour florentine sous le règne du duc.
L'Observatorio Archetri, situé au sud de Florence, se trouve sur la même colline où Galilée a observé le ciel. Ses découvertes ont brisé la vision médiévale selon laquelle tous les corps célestes tournaient autour de la terre.
Admirons la constellation des Médicis. Ce sont les étoiles Médicis. Quelle a été l’importance de la découverte des étoiles Médicis par Galilée il y a tant d’années ? Les Médicis Asidora - c'est ainsi que les appelait Galilée - sont les quatre principaux satellites de Jupiter. Jupiter est la plus grande planète de notre système solaire. Et on sait aujourd’hui qu’il possède de nombreux satellites. Cependant, quatre se démarquent : ils sont grands, de la taille de la lune, pour que ce soit plus clair. En étudiant les satellites autour de Jupiter, il est arrivé à la conclusion qu’ils tournaient autour de Jupiter, ce qui était une grande découverte. Oui, jusque-là, les gens croyaient à quelque chose de complètement différent. Ils croyaient que tous les corps célestes tournaient autour de la Terre.
Sa découverte était révolutionnaire. Parce que c’était la première fois que les gens savaient que quelque chose tournait autour d’un autre corps céleste, et personne ne s’y attendait. Dans l’histoire des grandes découvertes scientifiques, que pensez-vous de la découverte des étoiles Médicis par Gallileo ? Cela a ouvert une fenêtre sur un tout nouveau monde. Ce fut le début de la vision moderne de l’univers. C'était le début de la science moderne.
Ainsi, dans une atmosphère de contrôle strict et de mécénat généreux, les arts ont prospéré. Et au XVIIe siècle, les étoiles souriaient à une nouvelle débauche d'art et de pouvoir absolu sous le règne du Roi Soleil en France....
Sur la plaque est gravé :
"Nell anno 1609 Galileo Galilei perfectionna l'utilisation des cannocchiales conduisant les observations astronomiques qui l'avaient porté à la portée des "Satelliti Medicei" de Giove"
Traduite de l'italien, cette inscription signifie ce qui suit :
"En 1609, Galilée, à l'aide d'un télescope qu'il avait mis au point, fit des observations astronomiques qui le conduisirent à la découverte des 'satellites médicéens' près de Jupiter."
"Les Satellites Médicis" sont les 4 satellites de Jupiter découverts par Galilée, qu'il nomma les "Étoiles Médicis" (latin : Stellae Medicae) en l'honneur des quatre fils de son défunt patron Ferdinand de Médicis, décédé en 1609.
Ces quatre satellites (Io, Europe, Ganymède et Callisto) sont désormais connus sous le nom de « satellites de Galilée ».
D'après la biographie de Galilée par Galilée, nous savons que Galilée n'était pas originaire de Florence, mais qu'il a vécu longtemps dans cette ville toscane :
Galileo Galilei (Galileo Galilei) est né le 15 février 1564 à Pise de Vincenzo Galilei, musicien, et de Giulia Ammannati.
En 1572, avec sa famille, il part vivre à Florence.
Galilée a nommé les quatre satellites qu'il a découverts « étoiles Médicis » (latin : Stellae Medicae, en l'honneur des quatre frères Médicis) et leur a attribué des numéros de série. Ce n’est qu’au milieu du XXe siècle que les noms auxquels nous sommes habitués sont devenus courants.